【やさしい美術史】第６弾『インスタレーション・アート』

みなさんこんにちは！
今回は、【やさしい美術史】第６弾です！
では早速始めましょう！

インスタレーション・アートという言葉が一般化したのは1960年代後半です。
元は、マルセル・デュシャンのレディメイドや石炭袋1200個を天井から吊した《1200個の石炭袋》やドイツの芸術家クルト・シュヴィッタースのアッサンブラージュ《メルツ》に遡ります。
当初このような作品は、特定のギャラリーや展覧会向けで、場所指定のものだとされていました。しかし、インスタレーション・アートは、展示会場を没入型の環境にする三次元の芸術形式です。場の特異性を有するかもしれませんが、他の場所でも同様もしくは似たような形式で再現でき、視覚のみならず情感にも訴えます。
短命というインスタレーション・アートの特徴を如実に表したのは、YBA（ヤング・ブリティッシュ・アーティスト）であるマイケル・ランディの《破壊》です。
そして、美術館やギャラリーは、インスタレーションの概念に惹かれ、芸術家に制作を依頼しました。ロンドンのテート・モダンでは、タービン・ホール用にスペインのフアン・ムニョスの《ダブル・バインド》のような彫刻の環境作品や、デンマークのオラファー・エリアソンの《ウェザー・プロジェクト》など多くの作品を発注しています。
そして、インスタレーションはギャラリーや美術館の外側も創造しました。
クリスト&ジャンヌ＝クロードの作品は圧巻です。美術市場で売買することはできませんが、彼らは制作資金を得るためにクリストの下絵とコラージュを販売して、作品のプロジェクトを行なっています。

主なアーティストと作品

イヴ・クライン　《空虚》

この作品は、パリで開催された「第一物質の状態における完成を絵画的感性へと安定させる特殊化」展のために制作した空の部屋です。そこには、キャビネット一台しかなく、室内の壁は白く塗られ、入り口には青いカーテンが吊るされ、外壁の窓はIKB（インターナショナル・クライン・ブルー、クラインが独自に生み出したウルトラマリン色）に塗られました。そして、入り口では共和党の警備員が出迎え、中に入ると無料のブルーカクテルが振る舞われました。
彼は”非物質”を探究しており、IKBの制作もその一環でした。線や形といったものを放棄し、視線を逃し”雰囲気のある印象”によって鑑賞者を驚かそうとしました。

マイケル・ランディ　《破壊》

まず、彼が所有していた家具、本、美術品、衣類、車など、あらゆるものの目録を作成しました。完成には一年を要し、最終的には7,227点がリストアップされました。
オックスフォードストリートにある古いアパートに特別な設備を設置し、熟練作業員や自動車整備士の助けを借りて、全ての所有物を生前と破壊していく光景を一般公開しました。
美術品、衣類、電子機器、家具、キッチン用品、レジャー用品、自動車、生鮮品、読書資料、スタジオ道具の10カテゴリーに分類された持ち物は、巨大なベルトコンベアー上を回りながら、整然と解体され、分解され、パルプ状に、そして粉状にされました。２週間後には、彼の所有していたものは全てなくなり、所有物のない男になりました。
このような非常に過激なプロジェクトを通して、物質主義を批判しました。
クラインやランディの作品は、芸術品は収集可能で市場性があるという見解を侮蔑し、芸術のための芸術を是としました。つまり、クラインは空間そのものを、ランディは破壊する行為を作品と捉えたわけです。

アラン・カプロー　《ヤード》

彼は、パフォーマンス・アートの概念を確立した先駆者で、”ハプニング”という概念の主要な理論家の一人です。この作品は、1961年にジャクソン・ポロックのドリップペインティングのレスポンスとして構想された作品です。ニューヨークのマーサ・ジャクソン・ギャラリーの中庭に、数百台分の車のタイヤで空間を埋め尽くし、鑑賞者を誘ってタイヤの上に登ってもらうというものでした。その後、何度か再現されましたが、その度に新しいタイヤの山が出来上がりました。彼は、作品と鑑賞者の間で相互作用のある関係性を築こうとしたのです。

イリヤ・カバコフ
《アパートメントから宇宙に逃げ出した男》

小さな部屋の床には漆喰の破片が散らばり、様々なものが散乱しています。そして、天井には巨大な穴が空いており、眩い光が差し込みます。部屋の前には、木の板が釘で打ち付けられており、鑑賞者はその隙間からしか部屋の中を覗くことができません。３つの壁面には、政治的なポスターやその他のポスターで覆われていて、全体的に赤っぽい印象を持たせています。天井の中央には、何らかの装置が吊り下げられており、部屋の四隅に繋がっています。その下には２つの椅子の上に置かれた板があり、その後ろの壁の近くには、折り畳み式の簡易ベッドが置かれています。その上には絵画、隅にはランプで照らされた街の模型が置かれています。
この男は、何から逃げ出したのだろうか。ソビエトから？それとも疲弊した日常性から？人間誰しも、衝動的に逃げ出したくなる時があるだろう。そして、それは時として予想を超える逃避行を見せる。トランポリンで宇宙に飛び立ったこの男のように。

ジュディ・シカゴ　《ディナー・パーティ》

この作品は、1970年代のフェミニズム・アートの象徴として知られています。
三角形のテーブルの上には、歴史的に重要な39人の女性を記念した食器セットが配置されています。刺繍された飾り布、金の聖杯、カトラリー、外陰部と蝶の形をモチーフにした磁器の皿で構成されており、それぞれの女性にふさわしいスタイルで表現されています。三角テーブルの下の白いタイルの床には、999人の女性の名前が金色で刻まれています。
「女性が歴史上の記録からかき消されるという、現在進行形の欠落のサイクルを終わらせる」ことを目的に、多くのボランティアの協力を得て制作されました。
39枚のプレートは、平板で始まり最後の方に向かうにつれて高く隆起していきます。これは、現代女性が社会の期待から完全に解放されたわけではありませんが、徐々に自立し、平等になっていく様を表しています。

リチャード・ウィルソン　《20:50》

ギャラリーの中に入り、作品に近づくとツンとする刺激臭が漂ってきます。腰の高さまであるリサイクルされたエンジンオイルのプールで、鑑賞者は中央付近まで入ることができます。オイルは非常に透過性が低く反射するので、ギャラリーの壁や天井、窓、そして外の景色がはっきりと映り込みます。
彼は、イギリスで最も有名な彫刻家の一人です。彼の建築空間への介入は、エンジニアリングと建築の世界からインスピレーションを得ています。

フアン・ムニョス　《ダブル・バインド》

遠近法と錯覚、可視性と不可視性をテーマにしたこの作品は、テート・モダンのタービンホールでの展示のために制作されました。ホールの橋からは、手すりの向こう側にパターン化された床が見え、奥には2台のエレベーターが昇降を繰り返しています。この床は、大きな黒い穴がいくつも空いているように見えますが、その中には偽物も混じっています。階下では、暗い空間に貫通した穴からの光が差し込みます。鑑賞者は、下から穴を覗いてみるともう一つ中間に階があることに気付きます。そこには、彫刻された姿の人が住んでいることが明らかになりますが、表情や行動は不明瞭で私たち自身が彼らのドラマの中でどのような役割を果たしているのかは不明です。
彼の作品の中で、シャフトやバルコニーといった建築的特徴は、メタファーとして、観客とパフォーマー、過去と未来、主観と客観の間の境界として機能しています。

オラファー・エリアソン　《ウェザー・プロジェクト》

この作品も、テート・モダンのタービンホールでの展示のために制作された作品で、この広大な空間を太陽と空の表現で支配しています。微細な霧が噴霧され、微かに雲のような形を形成したかと思うと空間全体に散っていきます。上を見上げるとそこに天井はなく、鏡によって地面と私たちが映し出されます。ホールの一番奥には、数百個の単周波ランプで構成された巨大な半円形の太陽があり、黄色や黒以外の色が見れないほど狭い周波数で発光し、その周囲の風景をデュオトーンの世界に変えています。
彼は、風、雨、太陽といった天候を、今でも都市で経験できる数少ない自然との基本的な出会いの一つとして捉えています。また、天候がどのように都市を形成し、ひいては都市自体が天候を体験するためのフィルターになるのかにも興味を持っています。
《ウェザー・プロジェクト》では、ロンドンの一部を持ち込み、作品の経験と記憶を通して、その一部が鑑賞者によって持ち帰られるようにしました。この印象的なインスタレーションは、私たちの周りの世界を知覚するという基本的な行為に注意を促しています。しかし、天候のように、私たちの知覚は常に流動的な状態にあります。この儚い要素の構成におけるダイナミックな変化は、外の天気の予測不可能性と平行しています。

クリスト＆ジャンヌ＝クロード
《梱包されたドイツ帝国議会議事堂》

70年代、80年代、90年代にわたる苦闘の末、90人のプロのクライマーと120人の設置作業員によって、1995年6月24日にラッピングが完成しました。帝国議会は14日間におよびラッピングされ、その後すべての材料はリサイクルされました。ラッピングには、表面がアルミニウムで織られた厚手のポリプロピレン製の布が100,000平方メートル、直径3.2cmの青色のポリプロピレン製ロープが15.6キロ使用されました。ファサード、塔、屋根には、建物の表面の2倍に相当する70枚のオーダーメイドの布パネルが使用されました。
彼らのプロジェクトは、スケッチ、ドローイング、コラージュ、スケールモデル、初期の作品やオリジナルのリトグラフなどを販売することで、すべての資金がアーティストによって賄われ、いかなる種類のスポンサーシップも受け入れていません。
包まれた帝国議会は、1894年に建造されて以降、常に民主主義の象徴であり続けました。最も古い時代から現在に至るまで、木、石、青銅の彫刻、フレスコ画、レリーフの重要な部分に、折り目、プリーツ、ドラペリーを形作る布地が使用されているように、このプロジェクトでは、古典的な伝統を踏襲しています。2週間の間、青いロープによって形作られた銀色の生地の豊かさは、垂直方向のひだの豪華な流れを作り出し、堂々とした構造物の特徴とプロポーションを強調し、帝国議会の本質を明らかにしました。

アントニー・ゴームリー　《ワン・アンド・アザー》

この作品は、トラファルガー広場にある第四の台座を100日間連続して24時間使用するというもので、一般の人々が一度に1時間だけ台座の上に立つことを申し出るというもので、2,400人参加することができます。人を台座に乗せることで、身体がメタファーにシンボルになります。トラファルガー広場には、軍事、告別、および男性の歴史的な彫像がありますが、このように日常生活をモニュメンタル・アートがかつて占めていた場所へと昇華させることで、現代社会における個人の多様性、脆弱性、特殊性について考えることができます。それは、人々が集まって、奇妙で予測不可能なことをすることです。悲惨かもしれませんが、面白いかもしれません。

エド・キーンホルツ　《ポータブル戦争記念碑》

一番左には、アルミの樽に入った人形が置かれており、ケイト・スミスの”God Bless America”がエンドレスで流れています。この歌は、愛国的な歌詞が含まれていることから、事実上「アメリカ合衆国第二の国歌」と言われています。その後方の壁面には、ジェームズ・モンゴメリー・フラッグが第一次世界大戦時にアメリカ陸軍への応募を促すために描いたポスターのコピーが貼られています。”I Want YOU for U.S. Army”（アメリカ陸軍に君が必要だ）というキャプションが打たれており、アンクル・サム（U・S）というアメリカ政府や国民を擬人化した架空の人物が、アメリカ文化や愛国的精神の象徴として描かれています。その右側には、実際の人から鋳造した、硫黄島で旗を掲げる海兵隊員のレプリカがあります。ヘルメットの下の空の頭を除いて、全てが非常にリアルに表現されています。その背後の黒板は、もはや存在しない475の歴史的な都市名が刻まれた墓碑です。所々余白が空けられており、この先追加される可能性を示唆しています。その右横には、ネガフィルムに印刷された等身大の写真があり、安っぽいホットドック＆チリのパーラーで談笑する男女が写っています。強固な反戦メッセージは否定できないが、彼は悲しげな記念碑を目指していました。

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次回予告
【やさしい哲学】第５弾『キルケゴール』
お楽しみに！